Durante o século 20, os artistas plásticos começaram a experimentar o som como material de experimentação: explorando materiais, formas e espaços através de seu som. Além de não serem músicos, eles se libertaram dos cânones musicais tradicionais e, portanto, passaram a explorar o som por sua naturalidade, por sua textura e por sua morfologia. Em última análise, o grande centro de interesse dos escultores de som era a exploração do timbre. Para esses artistas visuais, o som tornou-se uma forma experimental, uma exploração de novas possibilidades e territórios expressivos. Essas novas incursões pelo som também estabelecem uma mudança de paradigma: as obras sonoras que esses artistas produzem a partir das artes visuais não estão presentes no lugar comum da performance musical, ou seja, nas salas de concerto, eles estão nas galerias de arte.
Os primeiros experimentadores com sons são os escultores, que exploram os sons dos materiais livremente, sem preconceitos, encontrando uma nova dimensão expressiva. O futurista Luigi Russolo (1885-1947) construiu 27 esculturas sonoras, entre 1910 e 1930, os Intonarumori, que eram produzidos a partir de uma caixa acústica de madeira que produzia ruído amplificado por bicos como alto-falantes. O som era modulado por meio de alavancas que produziam glissandos, ou seja, uma transição musical entre duas notas em forma de deslocamento. Os ruídos, os Futuristas e Russolo, foram a mais alta manifestação do progresso humano e o reflexo de nossa sociedade. Com os entonaruídos tentaram criar música a partir de entonações harmônicas e, por isso, esses objetos acabaram sendo os precursores dos sintetizadores e da noise music. Essas esculturas sonoras, em meio à escultura e aos instrumentos musicais, têm nomes que remetem ao som produzido: uivo, trovão, explosão, borbulha, zumbido, assobio, ululador, … todo um compêndio poético de sons. Em 1916, Marcel Duchamp criou o ready-made “A bruit secret”, uma escultura sonora que produzia um som interno que ninguém sabia (nem mesmo Duchamp) qual é o objeto que o produziu.
Somente na década de 50 é que o autêntico surgimento da escultura sonora ocorre. Jean Tinguely (1925-1991) começou a criar esculturas sonoras ativadas por máquinas, Harri Bertoia (1915-1978) experimentou o som dos metais e Takis (1925) experimentou sons eletromagnéticos.
Os irmãos Baschet são considerados os precursores da escultura sonora. François (1920-2014) e Bernard Baschet (1918-2015), desde 1954, realizam uma investigação sistemática da acústica aplicada à escultura, combinando elementos da arte e da ciência, da música e das artes plásticas. Suas obras estão nos melhores museus do mundo: Guggenheim e MOMA em Nova York, Barbican em Londres, MUAC na Cidade do México, Chicago, Montreal, Berlim, Munique, Estocolmo, Paris, Vancouver, Toronto ou Barcelona. Muitos dos músicos do século 20 experimentaram os instrumentos Baschet: Pierre Schaeffer, Ravi Shankar, Michel Deneuve, Stomu Yamash’ta ou Toru Takemitsu, entre outros. Os Baschets fizeram esculturas cuja característica fundamental era o componente sonoro. Esta busca pela dimensão sonora representa uma evolução da escultura: embora Rodin no final do século XIX baixasse a escultura do pedestal, até agora a escultura só podia ser percebida à vista; Brancusi estabeleceu parâmetros táteis na escultura, e os irmãos Baschet acabaram dotando a escultura de um componente sonoro.
As esculturas sonoras dos Baschet (que no início eram chamadas de estruturas sonoras) estão na fronteira do instrumento musical e da escultura, e abrem a possibilidade dos espectadores ou visitantes das exposições intervirem ativamente. As esculturas podem ser “tocadas” no sentido mais amplo de tocar (jouer em francês, to play em inglês, significa jogo e performance musical ao mesmo tempo).
A partir deste momento, enquanto os instrumentos musicais ficaram reservados para especialistas formados nos conservatórios, com um longo tempo de aprendizado, as esculturas sonoras puderam ser interpretadas por qualquer pessoa interessada, sem a participação de intérprete ou partitura. Qualquer pessoa pode expressar ideias sonoras sem a necessidade de códigos musicais predeterminados. As esculturas de Baschet podem ser afinadas e, portanto, também são instrumentos musicais, embora o objetivo dessas esculturas não seja interpretar música convencional, mas buscar a experimentação para descobrir sons que até então não podiam ser produzidos ou ouvidos com os instrumentos musicais tradicionais.
As esculturas sonoras de Baschet são um sistema de construção fora da ortodoxia musical. Na verdade, são um sistema modular que, como um jogo de construção, não tem nada fixo e tudo pode ser modificado. Os materiais que utilizam conferem-lhes uma estética industrial: hastes roscadas, folhas de aço e hastes de vidro. Todos esses itens podem ser encontrados em qualquer loja de ferragens e isso torna mais fácil “brincar” com protótipos para experimentação direta. Os Irmãos Baschet: Bernard, engenheiro e François, escultor e artista, formaram uma equipe perfeita que prosperou por mais de 50 anos de pesquisa no campo da acústica aplicada à forma, aos materiais e ao som. As esculturas dos Baschet são compostas por alguns elementos básicos que podem ser extrapolados para muitas esculturas sonoras de hoje:
- um oscilador, ou seja, um material capaz de vibrar, seja uma haste de metal que funciona por percussão ou uma haste de vidro que é ativada por fricção;
- uma força ou ação humana que põe o oscilador em movimento (os irmãos Baschet também investigaram esculturas ativadas pela força do vento e da água);
- um difusor, elemento que transmite essa vibração para o ar, (nas esculturas de Baschet é basicamente feito de cones de papelão ou chapas de aço inoxidável que através de dobras criam uma estrutura interna que canaliza e amplifica o som);
- elementos que podem ser organizados por sua forma ou extensão de faixas de sons ou notas;
- alguns ressonadores, que são elementos adicionados que reforçam e enriquecem as vibrações e ressonâncias do sistema.
O som das esculturas sonoras pode ser ativado pela ação humana ou pela ação dos elementos ou forças da natureza: água, vento ou fogo são forças que causam um evento sonoro. Para gerar um som, portanto, é necessário um movimento que gere uma vibração. Esta ação para ser audível deve ser transmitida no ar, na água ou através de materiais. O som é uma onda, uma vibração que precisa de um meio físico para ser transmitida (como sabemos, o som não se propaga no vácuo). A transmissão pelo ar é o que nossos ouvidos percebem, mas o ar não é o melhor transmissor de som: 331 m / s; na água é transmitido a 1509 m / s; e os materiais sólidos podem ir de 3.500 m / s na madeira a 6.000 m / s nos metais.
Na escultura sonora, as experimentações ocorrem tanto com os materiais quanto as formas. Os materiais são o elemento básico de qualquer escultura. Cada material possui uma expressão sonora específica. Por exemplo, pedra, madeira, metal têm uma voz e personalidade distintas e distintas. Essa qualidade de som é chamada de timbre. Na realidade, o timbre é a grande arte que os escultores de som trabalham: cada material possui um timbre característico que lhe é conferido de acordo com as características e estruturas internas da matéria. Os materiais com os quais as esculturas são construídas são um fator determinante para o timbre. Outro elemento fundamental na escultura sonora é a forma: diferentes formas se manifestam com diferentes sons, uma combinação de formas e materiais é o que dará uma riqueza tímbrica e complexidade sonora. O terceiro aspecto fundamental na escultura sonora é a ampliação do som (também relacionado ao material e à forma). Existem formas que promovem a expansão do som, como formas cônicas e estruturas laminares; as pregas e a tensão canalizam e expandem o som. Em última análise, a forma e o material determinam a qualidade, a duração e a amplitude do som. Ou seja, esse som é determinado pelas características formais do material, por meio de sua frequência natural, sua frequência fundamental e os harmônicos, que se reproduzem por simpatia e ressonância dentro das esculturas sonoras.
Desde o final do século 18, existe a possibilidade de visualização do som. O físico alemão Ernst Chladni (1756-1827), em 1787, publicou sua “Descoberta da teoria do som” onde mostra os desenhos de uma série de padrões regulares que correspondem a determinadas frequências geradas pela fricção de um arco de violino no borda de uma folha de metal com areia ou sal polvilhado em sua superfície. Este método simples permite estabelecer imagens sonoras, ou melhor, permite marcar claramente os rumos das vibrações nos materiais, uma vez que a areia se acumula onde não há vibração e se afasta onde há vibração, deixando um espaço vazio. A região vibratória será a localização dos antinodos e onde não houver vibração será a localização dos nós. Esta visualização do som é de vital importância para a escultura sonora, pois é fundamental saber como o som se distribui nos materiais, quais os percursos que possui e quais os padrões geométricos que gera na sua propagação e ampliação.
Mauro Tanaka Riyis - artista sonoro, educador, músico e luthier de instrumentos de cordas e de instrumentos alternativos. Estudioso e fabricante do instrumento africano Asalato; fundador e coordenador do grupo musical Escalafobéticos que faz música a partir de objetos do cotidiano ressignificados, membro da Orquestra do Corpo - grupo musical que faz música com o próprio corpo, organizada por Fernando Barba (Barbatuques), graduado em Educação Física e Música, Mestre pelo programa de pós-graduação em educação pela Universidade de Sorocaba - UNISO; integrante do Grupo Ritmos Estética e Cotidiano Escolar - GRECE e do Grupo de Pesquisas em Educação Musical - G-Pem.
Nenhum comentário ainda on Esculturas sonoras